Kuuluisien taiteilijoiden maalauksista tuli osa muotia muodostaen uuden 1900 -luvun tyylin

2024 Kirjoittaja: Richard Flannagan | [email protected]. Viimeksi muokattu: 2023-12-16 00:04

Taiteen ja muodin väliset yhteydet määrittelevät tiettyjä hetkiä historiassa. Molemmat tiedotusvälineet heijastavat yhteiskunnallisia, taloudellisia ja poliittisia muutoksia mölyneestä 20 -luvulta eloisaan 80 -luvulle. Tässä on neljä esimerkkiä taiteilijoista ja muotisuunnittelijoista, jotka työssään auttoivat muokkaamaan uutta näkökulmaa 1900 -luvun taiteeseen ja muotiin.

1. Halston & Warhol: Muoti veljeskunta

Roy Halstonin ja Andy Warholin välinen ystävyys määritteli taiteellisen maailman. Sekä Roy että Andy olivat johtajia, jotka tasoitivat tietä tehdä taiteilijasta / suunnittelijasta julkkis. He poistivat taidemaailman teeskentelevän leimautumisen ja toivat muodin ja tyylin massoille. Warhol käytti silkkipainatusta useita kertoja kuvien luomiseen. Vaikka hän ei varmasti keksinyt prosessia, hän mullisti massatuotannon ajatuksen.

Roy käytti kankaita ja kuvioita, jotka olivat yksinkertaisia ja tyylikkäitä, mutta lumoavia käyttämällä paljetteja, ultraa ja silkkiä. Hän oli yksi ensimmäisistä, joka teki amerikkalaisen muodin saataville ja halutuksi. Molemmat jättivät lopullisen jälkensä taiteeseen ja tyyliin 1960-, 70- ja 80 -luvuilla, mikä jatkuu edelleen.

Sekä Roy että Andy ovat työskennelleet yhdessä monissa eri projekteissa. Warhol loi mainoskampanjoita, joissa oli Halstonin vaatteita ja jopa Halston itse. Halston puolestaan käytti Warholin kukkakuviota joissakin vaatekokoelmissaan, iltapuvuista vapaa -ajan asuihin.

Roy käytti vaatteissaan yksinkertaisia kuvioita, mikä teki niistä erittäin onnistuneita. Ne olivat mukavat käyttää, mutta niissä oli myös ripaus ylellisyyttä kankaiden, värien ja tulosteiden ansiosta. Warhol yksinkertaisti myös materiaalejaan ja prosessiaan. Tämä helpotti hänen työnsä toistamista ja teki niistä myyntikelpoisempia.

Kaupallisella menestyksellä on ollut omat haasteensa molemmille taiteilijoille. Halston oli ensimmäinen kumppani JCPenney -kauppaketjun kanssa vuonna 1982, ja tämä on vaikuttanut hänen brändinsä laatuun. Warhol sai myös kritiikkiä, koska hänen työnsä pidettiin pinnallisena. Molemmat ovat kuitenkin nykyaikaistaneet vähittäis- ja markkinointikäyttöään omissa tiloissaan luodakseen tuotemerkkejä massamarkkinoille.

Roy ja Andy vierailivat usein Studio 54: ssä. He järjestivät juhlia, suunnittelivat ja tuottivat töitä kuuluisuuksille, kuten Liza Minnelli, Bianca Jagger ja Elizabeth Taylor. Kaikki tämä heijastuu heidän työhönsä, kun he inspiroivat ja määrittelevät 1970 -luvun diskokauden.

Halston tunnettiin loistavan iltapuvun luomisesta. Roy asetti paljetteja vaakasuoraan kankaalle luoden hohtavan vaikutelman materiaalista, jota hän käytti luodessaan ylellisiä asuja, joita monet lumoavat naiset rakastivat.

Warhol Diamond Dust Shoe -sarja kuvaa myös Studio 54: n yöelämää ja siellä asuvia julkkiksia. Timanttipölyä hän käytti stensiilien tai maalausten päällä luoden ylimääräisen elementin syvyydelle. Ja hänen kenkänsä olivat alun perin Halstonin mainoskampanjan idea. Joka tapauksessa nämä kaksi tekivät valtavan panoksen muodiin jättäen jälkeensä pysyvän jäljen. Todellakin, nykyään monet modernit suunnittelijat ovat saaneet inspiraationsa Andyn ja Royn ideoista ja luoneet upeita kokoelmia menneisyyden kaikuilla.

2. Sonia Delaunay: Kun taiteesta tulee muotia

Sonia Delaunay ei ainoastaan mullistanut uutta kubismin muotoa, vaan myös esitteli taiteen ja muodin välisen yhteyden. Sekä Delaunay että hänen miehensä olivat orfismin pioneereja ja kokeilivat erilaisia abstraktion muotoja taiteessa. Hän oli ensimmäinen laatuaan, joka käytti omaa taiteellista tyyliään ja siirtyi muotimaailmaan käyttämällä alkuperäisiä tekstiilisuunnitelmiaan, tulosteitaan tai kuvioita. Hänet muistetaan enemmän taiteestaan ja yhteydestään mieheensä kuin muodistaan. Hänen tyylillään oli merkittävä rooli 1920 -luvulla, ja hänen vaatekuvastoaan muistetaan enemmän valokuvista ja viittauksista hänen taiteeseensa kuin itse vaatteista. Sonyalle taiteen ja muodin välillä ei ollut eikä ole rajaa. Hänelle ne ovat yksi ja sama.

Hän aloitti muotiliiketoimintansa 1920 -luvulla luomalla vaatteita asiakkaille ja suunnittelemalla kankaita valmistajille. Sonya kutsui etikettinsä samanaikaiseksi ja meni vielä pidemmälle värien ja kuvioiden käytössä eri aiheissa. Samanaikaisuudella oli tärkeä rooli hänen työssään, ja hänen epätavallinen tekniikkansa muistutti tilkkutäkkiä tai tekstiilejä Itä -Euroopasta: värit asetettiin päällekkäin ja kuvioita käytettiin harmonian ja rytmin luomiseen. Hänen yhteisiä teemojaan ovat neliöt / suorakulmiot, kolmiot ja lävistävät viivat tai pallot - jotka kaikki ovat päällekkäisiä hänen erilaisissa kuvioissaan.

Delaunay oli nuori nainen Edwardin aikakaudella, jolloin korsetit ja vaatimustenmukaisuus olivat normaalia. Tämä muuttui 1920-luvulla, kun naiset alkoivat käyttää hameita polven yläpuolella ja löysiä, istuvia vaatteita. Tämä näkökohta näkyy Delaunayn malleissa ja hän oli intohimoinen luomaan vaatteita, jotka sopivat naisten tarpeisiin. Sonya on kehittänyt uimapuvut, joiden avulla naiset voivat tuntea olonsa mukavaksi myös urheilun ja uinnin aikana. Hän laittoi kuviot takkeihin, kenkiin, hattuihin ja jopa autoihin käyttäen mitä tahansa pintaa kankaana. Hänen suunnittelunsa loivat liikkumis- ja ilmaisunvapauden värin ja muodon kautta.

Koko uransa ajan hän kokeili jatkuvasti jotain uutta ja muutti sen vuoksi elokuvaan ja teatteriin. Sonia suunnitteli puvut Rene Le Somptierin elokuvalle Pikku pariisilainen, kun taas hänen miehensä teki elokuvan. Hän rakasti geometrisia muotoja, yhdisteli ja sekoitti ne taitavasti keskenään luoden outoja kuvioita ja katkoviivoja, joista on tullut hänen tunnusmerkkinsä.

3. Elsa Schiaparellin ja Salvador Dalin yhteistyö

Surrealistisen taiteen avantgarde yhdistetään surrealistisen muodin johtajaan. Salvador Dali ja muotisuunnittelija Elsa Schiaparelli ovat tehneet yhteistyötä ja inspiroineet toisiaan koko uransa ajan. He loivat ikonisia ulkoasuja, kuten hummeripuvun, kenkähatun ja kyynelpuvun, jotka järkyttivät ja inspiroivat yleisöä sekä taiteessa että muodissa. Dali ja Schiaparelli avasivat tietä muotisuunnittelijoiden ja taiteilijoiden tulevalle yhteistyölle. Dali käytti hummereita toistuvana teemana työssään ja oli kiinnostunut niiden anatomiasta.

Mekko "Omar" on Elsan ja Dalin yhteinen työ, ja niiden luominen aiheutti paljon kiistaa paitsi debyyttipäivänä myös sen jälkeen. Ensinnäkin siinä on pelkkä liivi ja valkoinen organzahame. Epätavallinen asu kirjaimellisesti räjäytti muotimaailman aiheuttaen paljon kiistoja tästä tuloksesta. Valkoisen kankaan käyttö on myös ristiriidassa hummerin punaisen värin kanssa. Valkoista voidaan pitää neitsyenä tai symboloida puhtautta punaiseen verrattuna, mikä voi tarkoittaa rentoutumista, voimaa tai vaaraa.

Luurangot ovat toinen aihe, joka löytyy surrealistisesta taiteesta, ja niitä on käytetty useammassa yhteistyössä Dalin ja Schiaparellin välillä. Skeleton -mekko oli ensimmäinen laatuaan. Elsa käytti trapunto -nimistä tekniikkaa, jossa kaksi kangaskerrosta ommellaan yhteen luoden ääriviivat lyönnin asettamiseen, mikä luo korostetun vaikutelman. Tämä tekniikka luo kuvioidun pinnan tasaiselle kankaalle ja antaa illuusion, että ihmisen luut ulkonevat mekon läpi. Tämä aiheutti skandaalin, koska mekko oli valmistettu joustavasta materiaalista, joka tarttui ihoon. Dalin maalausten ja piirustusten fantasiat ilmenivät Schiaparellin asujen epätodellisessa maailmassa, jotka tekevät tähän päivään asti pysyvän vaikutuksen sekä katsojiin että suunnittelijoihin.

4. Yves Saint Laurent: Taiteen ja inspiraation yhteenotto

Missä menee jäljitelmän ja arvostamisen raja? Kriitikot, yleisöt, taiteilijat ja suunnittelijat ovat kamppailleet selvittääkseen, missä tämä linja kulkee. Kuitenkin, kun oli kyse Yves Saint Laurentista, hänen aikomuksensa olivat vain imartelua ja ihailua taiteilijoihin ja maalauksiin, joita hän käytti inspiraationa. Laajasta portfoliostaan Saint Laurent sai inspiraationsa kulttuureista ja taiteista ympäri maailmaa, jotka hän sisällytti menestyksekkäästi vaatteisiinsa.

Vaikka Yves ei koskaan tavannut häntä innoittaneita taiteilijoita, se ei estänyt häntä luomasta taideteoksia kunnioituksen merkkinä. Laurent sai inspiraatiota taiteilijoilta, kuten Matisse, Mondrian, Van Gogh, Georges Braque ja Picasso. Hän oli taidekokooja ja keräsi Picasson ja Matissen maalauksia, jotka hän ripusti kotiinsa.

Yves otti osan taideteoksista ja muutti ne upeiksi vaatteiksi, jotka kunnioittavat joitakin hänen suosikki taiteilijoistaan. 1960 -luku oli vallankumouksen ja kaupallisuuden aikaa, muodin ja taiteen uutta aikakautta. Saint Laurentin hankkeet saavuttivat kaupallista menestystä, kun hän alkoi saada inspiraatiota pop -taiteesta ja abstraktioista. Vuonna 1965 hän loi 26 mekkoa, jotka olivat innoittamana Piet Mondrianin abstrakteista maalauksista. Mekot ilmentivät Mondrianin yksinkertaisia muotoja ja rohkeita päävärejä. Yves käytti tekniikkaa, jossa kangaskerrosten välissä ei näkynyt saumoja, mikä antoi vaikutelman, että vaatteet olivat yksi kokonainen kappale. Saint Laurent otti Mondrianin taiteen 1920 -luvulta ja teki siitä puettavan 1960 -luvulle verrattuna.

Muotimekot ovat klassisia esimerkkejä 1960 -luvun tyylistä. Ne olivat samanlaisia kuin 1920 -luvun vaatteet, jotka olivat vähemmän rajoittuneita ja joissa oli hihat ja helmaosat, jotka paljastavat suuria iholaastareita. Saint Laurentin neliön muotoiset siluetit saivat naiset tuntemaan olonsa kevyiksi ja vapaiksi. Tämä johti hänet myös inspiraatioon pop -taiteilijoilta, kuten Tom Wesselman ja Andy Warhol. Hän loi linjan pop -taiteen inspiroimia malleja, joissa oli siluetteja ja leikkauksia hänen vaatteissaan. Kyse oli abstraktion taiteen ja suunnittelun kaupallistamisen rajoitusten voittamisesta. Laurent toi nämä kaksi ideaa yhteen luodakseen naisille vaatteita, jotka ovat ilmaisia ja houkuttelevia nykyaikaisille naisille.

Saint Laurentin Vincent Van Gogh -takit ovat esimerkki siitä, miten Yves yhdisti taiteilijan inspiraation omiin muotoilukykyihinsä. Hänen muiden vaatteidensa tavoin taiteilijaan liittyviä teemoja ei kopioitu ja liitetty Saint Laurentin vaatteisiin. Sen sijaan hän päätti käyttää niitä inspiraation lähteenä ja luoda kappaleita, jotka heijastavat hänen omaa tyyliään. Takki on esimerkki 80 -luvun tyylistä, joka on brodeerattu auringonkukilla Van Goghin viehättävällä tyylillä.

Laurent on tehnyt yhteistyötä haute couture -kirjonnan johtavan Maison Lesagen kanssa. Takki "Sunflowers" on brodeerattu putkimaisilla helmillä. Kukat ovat täynnä eri oranssin ja keltaisen sävyjä. Tämä luo moniulotteisen tekstuurin, joka muistuttaa Van Goghin tekniikkaa levittää paksua maalia kankaalle. Sen arvioidaan olevan yksi kalleimmista haute couture -esineistä, joita Christie's on koskaan tehnyt ja myynyt lähes neljäsataa tuhatta euroa. Saint Laurent tasoitti tietä vaatteiden käyttämiseen taideteoksena itsessään, muodista ja ajanjaksosta riippumatta.

Jatkaessasi aihetta lue myös aiheesta mikä johti Saeko Yamaguchin menestykseen, tehden hänestä yhden Kenzon ja Yamamoton rakastetuimmista musoista.