9 mestariteosta loistavia taiteilijoita, jotka inspiroivat suuria muotisuunnittelijoita ja loivat ainutlaatuisia kokoelmia

2024 Kirjoittaja: Richard Flannagan | [email protected]. Viimeksi muokattu: 2023-12-16 00:04

Kautta historian muoti ja taide ovat kulkeneet käsi kädessä loistavan yhdistelmän luomiseksi. Monet muotisuunnittelijat ovat lainanneet kokoelmiinsa ideoita taiteellisilta liikkeiltä, mikä on mahdollistanut muodin tulkinnan taidemuotona, joka palvelee pääasiassa ideoiden ja visioiden ilmaisemista. Tämän vaikutuksesta jotkut kansainvälisesti tunnetut muotisuunnittelijat ovat luoneet erinomaisia kokoelmia, jotka perustuvat 1900 -luvun taiteellisiin liikkeisiin.

1. Madeleine Vionne

Madame Madeleine Vionne, joka syntyi Pohjois-Keski-Ranskassa vuonna 1876, tunnettiin "tyylin jumalattarena ja räätälöinnin kuningattarena". Rooman oleskelun aikana hän oli kiinnostunut Kreikan ja Rooman sivilisaatioiden taiteesta ja kulttuurista, ja hän sai inspiraationsa muinaisista jumalattarista ja patsaista. Näiden taideteosten perusteella hän muotoili tyylinsä estetiikan ja yhdisti kreikkalaisen kuvanveiston ja arkkitehtuurin elementit antamaan uuden ulottuvuuden naisvartalolle. Madeleine on mullistanut modernin muodin taidollaan verhoilla ja viistot mekot. Hän kuunteli usein taideteoksia, kuten Samothracen siivekäs voitto.

Hellenistisen taiteen mestariteoksen ja Vionnen museon yhtäläisyydet ovat silmiinpistäviä. Kankaan syvä peittäminen kreikkalaisen chitonin tyyliin luo pystysuoria valojuovia, jotka virtaavat alaspäin. Veistos luotiin kunniaksi Nikelle, kreikkalaiselle voiton jumalattarelle, ja sitä ihaillaan sen realistisesta liikkeen kuvauksesta. Vionnet -mallin virtaava verho muistuttaa Niken vartaloon kiinnittyvän heiluvan kankaan liikettä. Mekot voivat olla kuin eläviä olentoja, joilla on sielu, kuten ruumis. Kuten Samothracen siivekäs voitto, Madeleine loi mekkoja, jotka herättävät syvälle piilotetun inhimillisen olemuksen. Klassismi, sekä esteettinen filosofia että suunnittelufilosofia, antoi Vionnelle mahdollisuuden välittää näkemyksensä geometrisessa harmoniassa.

Hän oli myös kiinnostunut nykytaiteen liikkeistä, kuten kubismista. Madeleine alkoi sisällyttää luomuksiinsa geometrisia muotoja ja otti käyttöön toisen leikkausmenetelmän, nimeltään viistoleikkaus. Vionne ei tietenkään koskaan väittänyt keksineensä vinoa leikkausta, vaan vain laajentanut sen käyttöä. Kun naiset edistyivät suuresti oikeuksiensa torjunnassa 1900-luvun alussa, Madeleine puolusti vapauttaan poistamalla pitkäaikaisen viktoriaanisen korsetin naisten jokapäiväisestä käytöstä. Siksi hänestä tuli symboli naisten vapauttamisesta rintaliivien rajoituksista ja sen sijaan julkaisi uusia, kevyempiä kankaita, jotka kirjaimellisesti virtasivat naisten vartaloihin.

2. Pierpaolo Piccioli

Pierpaolo Piccioli on Valentinon pääsuunnittelija ja hän on erittäin kiinnostunut keskiajan uskonnollisista teoksista. Hänen inspiraationsa lähtökohtana on siirtymäaika keskiajalta pohjoiseen renessanssiin. Hän teki yhteistyötä Zandra Rhodesin kanssa ja he kehittivät yhdessä inspiroivan kokoelman keväällä 2017. Piccioli halusi yhdistää 70 -luvun lopun punkkulttuurin humanismiin ja keskiaikaiseen taiteeseen, joten hän palasi juurilleen ja renessanssiin ja sai inspiraatiota Hieronymus Boschin maalauksesta Maallisten nautintojen puutarha.

Kuuluisa hollantilainen taidemaalari oli yksi 1500 -luvun pohjoisen renessanssin näkyvimmistä edustajista."Maallisten nautintojen puutarhassa", jonka Bosch maalasi ennen uskonpuhdistusta, taiteilija halusi kuvata paratiisia ja ihmiskunnan luomista, Aadamin ja Eevan ensimmäistä kiusausta sekä helvettiä odottavia syntisiä. Keskimmäisessä ruudussa ihmiset näyttävät tyydyttävän ruokahalunsa nautintojen maailmassa. Boschin ikonografia erottuu omaperäisyydestään ja aistillisuudestaan. Koko kuva tulkitaan synnin vertauskuvaksi.

Muotimaailmassa maalaus sai suosiota, kun eri muotisuunnittelijat olivat kiehtoneet sen motiiveista. Sekoittamalla aikakausia ja estetiikkaa, Piccioli tulkitsi uudelleen Boschin symboleja lentävillä läpinäkyvillä mekkoilla, kun taas Rodos loi romanttisia tulosteita ja brodeerattuja kuvioita, jotka muistuttivat hieman alkuperäistä taidetta. Värit olivat varmasti osa viestiä, jonka suunnittelijat halusivat välittää. Siten lentävien unenomaisten mekkojen kokoelma perustuu omenanvihreän, vaaleanpunaisen ja sinisen punarinta munien pohjoiseen värivalikoimaan.

3. Dolce ja Gabbana

Peter Paul Rubens maalasi mestarillisesti naisia rakkaudella, oppimisella ja ahkerasti. Hän esitteli "Venuksensa peilin edessä" kauneuden ylinä symbolina. Peter kuvasi yksinomaan hänen vaaleita kasvojaan ja vaaleita hiuksiaan, mikä on ristiriidassa tummanmustaisen piian kanssa. Peili on ehdoton kauneuden symboli, joka kehystää naista muotokuvana ja korostaa samalla hienovaraisesti hahmon alastomuutta. Peili, jonka Amor pitää jumalattaressa, osoittaa Venuksen heijastuksen eroottisen vetovoiman ja halun esityksenä. Rubens, joka oli yksi barokkitaiteen perustajista, ja hänen käsityksensä "väreistä yli viivojen" vaikutti useisiin muotisuunnittelijoihin, mukaan lukien Dolce & Gabbana. Barokkityyli poikkesi renessanssin hengestä, hylkäsi rauhallisuuden ja tyylikkyyden ja etsi sen sijaan eleganssia, jännitystä ja liikettä.

Muotisuunnittelijat Domenico Dolce ja Stefano Gabbana halusivat luoda kampanjan, joka juhlisi sekä naisen kauneuden aistillista että romanttista puolta. Peter Paul Rubens oli sopivin inspiraation lähde. Kultti -duon luomukset olivat suuressa harmoniassa flaamilaisen taiteilijan taiteen kanssa. Tässä kokoelmassa mallit poseerasivat suurella jaloudella näyttäen siltä kuin olisivat juuri astuneet pois Rubensin maalauksista. Koristeet on suunniteltu muistuttamaan barokkipeilejä ja kirjonnan yksityiskohtia. Hahmojen siroutta ja pastellivärejä korostivat kauniisti vaaleanpunainen vaaleanpunainen mekko. Muotisuunnittelijoiden valinta sisällyttää erilaisia malleja vaikutti entisestään kyseisen aikakauden kehon tyyppiin. Kaarevat linjat, joita Dolce ja Gabbana käyttivät, olivat ristiriidassa eri kehotyyppien syrjinnän kanssa muotiteollisuudessa.

Dolce and Gabbana Women's Fall 2012 -mallisto esittelee monia italialaisen barokkiarkkitehtuurin piirteitä. Tämä kokoelma sopii täydellisesti sisilialaisen barokkityylin rikkaasti sisustettuihin ominaisuuksiin. Suunnittelijat keskittyivät Sisilian katolisten kirkkojen barokkiarkkitehtuuriin. Vertailukohtana oli Rubensin maalaus "Itävallan Annan muotokuva". Kuninkaallisessa muotokuvassaan itävaltalainen Anna on kuvattu espanjalaiseen tapaan. Annan musta mekko on koristeltu pystysuorilla vihreillä kirjontaraidoilla ja kultaisilla yksityiskohdilla. Taiteellisesti suunnitelluista mekkoista ja viittauksista, jotka on valmistettu ylellisistä tekstiileistä, kuten pitsiä ja brokaatia, on tullut Dolce and Gabbana -esityksen pääpiirre, joka valloitti maailman luovuudellaan.

4. Cristobal Balenciaga

Cristobal Balenciagaa voidaan kutsua todelliseksi mestariksi, joka uudisti naisten muodin 1900 -luvulla. Hän syntyi pienessä kylässä Espanjassa ja toi espanjalaisen taidehistorian olemuksen nykyaikaisiin projekteihinsa. Balenciaga teki vaikutuksen koko uransa ajan Espanjan renessanssista. Hän haki usein inspiraatiota Espanjan kuninkaallisesta perheestä ja papiston jäsenistä. Muotisuunnittelija muutti aikakauden kirkon esineet ja luostarivaatteet puettaviksi muodin mestariteoksiksi.

Yksi hänen suurista inspiraatioistaan oli maneristi El Greco, joka tunnetaan myös nimellä Dominikos Theotokopoulos. Kardinaali El Greco Fernando Niño de Guevaraa tarkasteltaessa näet kardinaalin viitan ja Balenciagan suunnittelun välisiä yhtäläisyyksiä. Maalauksessa on espanjalainen kardinaali Fernando Niño de Guevara El Grecon ajalta Toledossa. El Grecon ajatukset lainattiin Italian renessanssin neoplatonismista, ja hän esittää tässä muotokuvassa kardinaalin Jumalan armon symbolina. Manierismi näkyy koko kuvassa. Tämä on havaittavissa pitkänomaisessa hahmossa, jossa on pieni pää, siro mutta outo raajat, voimakkaat värit ja klassisten mittojen ja mittasuhteiden hylkääminen.

Balenciagan intohimo historiallisiin vaatteisiin näkyy tässä ylellisessä iltatakissa hänen vuoden 1954 kokoelmastaan. Hänellä oli visio ja kyky keksiä muotoja modernilla tavalla. Tämän takin liioiteltu kaulus toistaa kardinaalin viitan säkkisen tyylin. Kardinaalin vaatteiden punainen väri symboloi verta ja hänen halukkuuttaan kuolla uskon puolesta. Kuuluisa suunnittelija piti kirkasta punaista poikkeuksellisena, koska hän suosii usein rohkeita väriyhdistelmiä ja kirkkaita sävyjä. Hänen suuri innovaationsa oli vyötärölinjan poistaminen ja virtaavien viivojen, yksinkertaisten leikkausten ja kolmen neljänneksen hihojen käyttöönotto. Näin Balenciaga mullisti naisten muodin.

Suunnittelija esitteli myös rannekorun pituiset hihat, joiden avulla naiset voivat näyttää korujaan. 1960 -luvulla, kun naiset tulivat vähitellen työelämään, Balenciagalla oli idea antaa pukeutuneille naisille mukavuutta, vapautta ja toimivuutta. Hän mainosti löysiä, mukavia mekkoja, jotka olivat ristiriidassa päivän istuvien siluettien kanssa.

5. Alexander McQueen

Itävaltalainen taiteilija, symbolismin mestari ja Wienin erottamisliikkeen perustaja Gustav Klimt loi perustan 1900 -luvun taiteen historialle. Hänen maalauksensa ja taiteellinen estetiikkansa ovat pitkään inspiroineet muotisuunnittelijoita. Muut, kuten Aquilano Rimondi, L'Rene Scott ja Christian Dior, suunnittelija, joka viittasi suoraan Klimtiin, oli Alexander McQueen. Resort Spring / Summer 2013 -mallistossa hän on suunnitellut ainutlaatuisia kappaleita, jotka näyttävät olevan taiteilijan työn innoittamia. Kun katsot juoksevaa mustaa mekkoa, jonka päällä on toistuva kultakuvio - tietty kuva voi tulla mieleen. McQueen on käyttänyt abstrakteja, geometrisia ja mosaiikkisia malleja pronssisista ja kultaisista sävyistä ja sisällyttänyt ne malleihinsa.

Vuonna 1905 Gustav Klimt maalasi maalauksen "The Embrace", joka kuvaa pariskuntaa lempeään syleilyyn, josta tuli rakkauden symboli. Itävaltalainen taiteilija tunnetaan kulta -maalauksistaan sekä täydellisestä abstraktion ja värin yhdistelmästä näissä teoksissa. Kaikissa mosaiikeissa on rikkaita kultaisia sävyjä ja kaleidoskooppisia tai luonnollisia koristeita, joilla on ollut suuri vaikutus muotiin. Tämä maalaus on silmiinpistävä, koska rakastajien vaatteiden välillä on vastakkaisia geometrisia muotoja. Miesten vaatteet koostuvat mustista, valkoisista ja harmaista neliöistä, kun taas naisten mekko on koristeltu soikeilla ympyröillä ja kukkakuvioilla. Siten Klimt kuvaa mestarillisesti eroa maskuliinisuuden ja naisellisuuden välillä. Aleksanteri hyväksyi jotain vastaavaa vaatteilleen.

6. Christian Dior

Impressionismin perustaja ja yksi taidehistorian suurimmista ranskalaisista maalareista Claude Monet jätti jälkeensä suuren taiteellisen perinnön. Monet käyttivät inspiraationa Givernyssä sijaitsevaa kotiaan ja puutarhaansa, ja otti maalauksiinsa luonnonmaiseman. Erityisesti maalauksessa "The Artist's Garden at Giverny" hän onnistui manipuloimaan luonnonmaisemaa tarpeidensa mukaisesti. Ruskean likaradan kontrasti kukkien elävää väriä vastaan täydentää kohtausta. Kuuluisa impressionistit valitsivat usein iiriksen kukan sen violetin värin vuoksi luodakseen kirkkaan auringon vaikutuksen. Tämä maalaus on täynnä elämää, kun kukat kukkivat ja tervehtivät keväällä. Ruusun ja lilan terälehdet, iirikset ja jasmiini ovat osa värikkäitä paratiiseja, jotka on kuvattu valkoisella kankaalla.

Samalla tavalla ranskalaisen muodin edelläkävijä Christian Dior jätti suuren jäljen muotimaailmaan, joka tuntuu edelleen. Vuonna 1949 hän suunnitteli haute couture -malliston kevät / kesäkaudeksi. Yksi tämän näyttelyn kohokohdista oli ikoninen Dior -mekko, joka oli kirjailtu kokonaan vaaleanpunaisen ja violetin eri sävyillä. Dior havainnollisti täydellisesti kahta taiteen ja muodin maailmaa ja jäljitteli Monetin esteettisyyttä tässä toimivassa mekossa. Hän vietti paljon aikaa maaseudulla maalaamalla kokoelmiaan puutarhassaan Granvillessä, kuten Monet teki. Niinpä hän määritteli tyylikkään Dior -tyylin sisällyttämällä Monetin värivalikoiman ja kukkakuviot luomuksiinsa.

7. Yves Saint Laurent

Mondrian oli yksi ensimmäisistä taiteilijoista, joka loi abstraktin taiteen 1900 -luvulla. Hän syntyi Alankomaissa vuonna 1872 ja perusti koko taideliikkeen nimeltä De Stijl. Liikkeen tavoitteena oli yhdistää nykytaide ja elämä. Tämä tyyli, joka tunnetaan myös nimellä neoplastismi, oli abstraktin taiteen muoto, jossa vain geometristen periaatteiden ja päävärien, kuten punaisen, sinisen ja keltaisen, käyttö yhdistettiin neutraaleihin (musta, harmaa ja valkoinen). Peten innovatiivinen tyyli 1900 -luvun alussa pakotti muotisuunnittelijat toistamaan tämän puhtaan abstraktin taiteen. Paras esimerkki tästä maalaustyylistä on Koostumus punaisella, sinisellä ja keltaisella värillä.

Taiteen ystävä, ranskalainen muotisuunnittelija Yves Saint Laurent sisällytti Mondrianin maalaukset haute couture -teoksiinsa. Hän sai inspiraationsa Peten työstä, kun hän luki taiteilijan elämästä kirjan, jonka hänen äitinsä antoi hänelle jouluksi. Taiteilijan geometristen linjojen ja rohkeiden värien innoittamana hän esitteli kuusi cocktail -mekkoa, jotka juhlivat hänen ikonista tyyliään ja yleensä 60 -luvun aikakautta. Jokainen Mondrianin mekko oli hieman erilainen, mutta niillä kaikilla oli yksinkertainen A-linjan muoto ja hihaton polven pituus, joka oli täydellinen kaikille vartalotyypeille.

8. Elsa Schiaparelli

Elsa Schiaparelli, syntynyt vuonna 1890 aristokraattiseen perheeseen Roomassa, ilmaisi pian rakkautensa muotimaailmaa kohtaan. Hän alkoi kehittää vallankumouksellista tyyliään futurismin, dadan ja surrealismin innoittamana. Uransa edetessä hän oli vuorovaikutuksessa sellaisten kuuluisien surrealistien ja dadaistien kanssa kuin Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp ja Jean Cocteau. Hän teki jopa yhteistyötä espanjalaisen taiteilijan Salvador Dalin kanssa.

Yksi muodin historian suurimmista yhteistyötaidoista oli Dalin ja Elsa Schiaparellin yhteistyö. Tämä mekko luotiin Salvador Dalin kanssa osana Schiaparellin sirkuskokoelmaa kesällä 1938. Mekko viittaa Dalin maalaukseen, jossa hän kuvasi naisia, joiden kehon mittasuhteet olivat vääristyneet.

Surrealistisille taiteilijoille ihanteellisen naisen etsiminen oli tuomittu epäonnistumaan, koska ideaali oli olemassa vain heidän mielikuvituksessaan, ei todellisuudessa. Dalin tarkoituksena ei kuitenkaan ollut kuvata naisia realistisesti, joten heidän ruumiinsa eivät ole ollenkaan esteettisiä. Schiaparelli halusi kokeilla tätä peliä kehon piilottamiseksi ja paljastamiseksi, luoden illuusion haavoittuvuudesta ja turvattomuudesta. Puku, jossa oli kyyneleiden illuusio, valmistettiin vaaleansinisestä silkkikreppistä, kunnioittaen Salvadoria ja hänen suhteettomia naisia.

9. Gianni Versace

Pop -taiteen aikakausi oli luultavasti vaikutusvaltaisin ajanjakso muotisuunnittelijoille ja taiteilijoille taidehistoriassa. Andy Warhol oli edelläkävijä pop -kulttuurin ja korkean muodin yhdistelmässä, mikä teki hänestä pop -taiteen liikkeen symbolisen symbolin. 1960 -luvulla Warhol alkoi harjoittaa allekirjoitustekniikkaa, joka tunnetaan silkkipainatuksena.

Yksi hänen varhaisimmista ja epäilemättä tunnetuimmista teoksistaan oli Marilyn Diptych. Tätä teosta varten hän sai inspiraatiota paitsi popkulttuurista myös taidehistoriasta ja abstrakteista ekspressionistisista taiteilijoista. Andy vangitsi Marilyn Monroen kaksi maailmaa, Hollywood -tähden sosiaalisen elämän ja Norma Jeanen, naisen, joka taisteli masennuksesta ja riippuvuudesta, traagisen todellisuuden. Diptykki voimistaa värähtelyä vasemmalla, kun taas oikealla se katoaa pimeyteen ja hämärään. Yrittäessään edustaa kuluttajayhteiskuntaa ja materialismia hän kuvasi yksilöitä pikemminkin tuotteina kuin ihmisinä.

Italialaisella suunnittelijalla Gianni Versacella oli pitkäaikainen ystävyys Andy Warholin kanssa. Molemmat miehet olivat kiinnostuneita populaarikulttuurista. Warholin kunniaksi Versace omisti hänelle vuoden 1991 kevät / kesäkokoelmansa. Yhdessä mekkoista oli Warhol -tulosteita Marilyn Monroen kanssa. Hän sisällytti Marilynin ja James Deanin eloisat silkkimuotokuvat 1960 -luvulta hameisiin ja maksimekkoihin.

Ja jatkaaksesi aiheen muotia, kauneutta ja poikkeuksellisia ideoita, lue myös kuinka modernit taiteilijat ovat muuttaneet meikin todelliseksi taideteokseksi.