7 Eremitaasin mestariteosta, jotka kannattaa nähdä vuonna 2020

2024 Kirjoittaja: Richard Flannagan | [email protected]. Viimeksi muokattu: 2023-12-16 00:04

Tutkijat ovat pitkään osoittaneet, että taiteella on myönteinen vaikutus ihmisten terveyteen vähentämällä kehon ahdistusta ja stressiä. Tämä pätee erityisesti kuvataiteeseen ja kauniin miettimiseen. Siksi, jotta vuosi 2020 täyttyisi suotuisalla ruumiin ja hengen tilalla, kannattaa vierailla Eremitaasissa ja nähdä museon kuuluisimmat näyttelyt.

"Apostolit Pietari ja Paavali", El Greco

El Greco on yksi kirkkaimmista ja omaperäisimmistä taiteilijoista. Kreikan alkuperän vuoksi hän opiskeli maalausta Italiassa suuren titaanin työpajassa. Hän oppi öljytekniikan idoliltaan ja sai inspiraationsa myös italialaisen manierismin taiteellisista tekniikoista. El Greco erottui kollegoistaan dramaattisen ilmeikkään tyylin omaperäisyydestä. Muotokuvissaan hän kiinnitti suurta huomiota psykologiseen karakterisointiin. Tässä Eremitaasin maalauksessa taiteilija edustaa kahta erityyppistä ihmistä. Vasemmalla on apostoli Pietari, joka kielsi Kristuksen olemassaolon kolme kertaa. Hänen kasvonsa välittävät surua ja epävarmuutta, kun taas hänen eleitään sävyttää parannus ja anominen. Apostoli Paavali, joka, kuten tiedätte, oli alun perin innokas kristittyjen vainooja, kuvassa osoittaa hengellistä kiihkoa totuuden vahvistamisessa. Käden eleet, jotka muodostavat teoksen kokoonpanokeskuksen, ilmaisevat vuoropuhelun, joka yhdistää kaksi apostolia.

Harmaatukkainen Pietari, kääritty kultaiseen kylpytakkiin, kallisti päätään sivulle. Vasemmassa kädessään hänellä on symboli - avain taivasten valtakuntaan. Pavel painaa lujasti vasenta kättään pöydän avoimeen tilavuuteen, oikea käsi nousee selkeyden eleenä katsojaa suoraan katsoessaan. Pietari ja Paavali esiintyvät useita kertoja El Grecon teoksessa, ja ne on kuvattu hämmästyttävän johdonmukaisesti. Taiteilija näyttää Petralle aina harmaat hiukset ja partan, ja hänellä on usein keltainen viitta sinisen tunikan päällä. Paul on aina hieman kaljuuntunut, tummat hiukset ja parta, punaisessa viitassa sinisten tai vihreiden vaatteiden päällä.

Titian "Kääntyvä Maria Magdaleena"

Katuva Maria Magdaleena on Pyhän Marian Magdaleenan Titianuksen muotokuva noin vuodelta 1531 ja allekirjoitus 'TITIANUS' vasemmalla aluksella. Juonen mukaan tämä on nainen, jolla on hajanainen menneisyys, joka evankeliumin mukaan (Luukas 7, 36–50) tuli fariseuksen Simonin taloon pyytämään Jeesukselta anteeksiantoa. Se on Titianin kuvaama naisellinen hahmo, jolla on paksut, keskittyneet aivohalvaukset ja lämpimät sävyt. Paletti korostaa uskomattomia kristallikyyneleihin kastettuja silmiä. Kuvan peittävät kuparivaaleat hiukset on hämmästyttävän kirjoitettu. Katuva Maria Magdaleenan teema, joka kohotti silmänsä taivaaseen, sai suuren suosion Italiassa 1500 -luvulla aristokraattien, uskonnollisten johtajien ja varakkaan keskiluokan keskuudessa. Vaatteiden puute symboloi Magdalanan kieltäytymistä koruista, kullasta ja maallisista harrastuksista uskon tähden Kristukseen. Lisäksi kultaiset hiukset ja Magdaleena -hahmo täyttävät renessanssin kauneuden standardit.

Leonardo da Vincin "Madonna Litta"

Maalaus sai nimensä Milanon aatelissukusta, jonka kokoelmasta se löytyi suurimman osan 1800 -luvulta. Vuonna 1865 Venäjän tsaari Aleksanteri II osti kankaan Eremitaasille, jossa se on esillä tähän päivään asti. Tämä teos kuvaa Madonnaa, joka imettää Kristus -lasta. Huomaa, että kuvassa ei ole haamukuvia. Useat Leonardon kankaat osoittavat saman ominaisuuden. Luvut on asetettu pimeään sisustukseen, jossa on kaksi kaarevaa aukkoa, joista näkyy vuoristoinen maisema. Mielenkiintoinen yksityiskohta: kuvan keskellä, Kristuksen vasemmassa kädessä, on kultapiikki, joka symboloi Kristuksen intohimoa.

Äitiyden ilon tunne maalauksessa "Madonna Litta" on kuvattu erityisen ilahduttavasti juuri Marian kuvan rikkauden ansiosta - täällä se löysi kypsän ilmaisunsa Leonardon naisellisesta kauneudesta. Madonnan lempeät, kauniit kasvot antavat erityisen hengellisyyden puoliksi suljetuille silmille ja pienen hymyn. Maalauksen koostumus on silmiinpistävä sen selkeydestä ja täydellisyydestä. Madonna ja lapsi olivat yleinen motiivi kristillisessä taiteessa keskiajalla ja jatkui renessanssiin saakka.

"Luutisti" Caravaggio

Maalauksen tilasi kardinaali Francesco del Monte, joka suojeli taiteilijaa. Caravaggio kuvasi nuorta miestä, jota kiehtoi musiikki: hänen katseensa on täynnä inspiraatiota, hänen sormensa tarttuvat jousiin. Valkoisessa paidassa olevan nuoren miehen hahmo erottuu selvästi tummaa taustaa vasten. Kova sivuvalaistus ja putoavat varjot antavat esineille melkein havaittavan tilavuuden ja painon. Kuvassa olevat esineet todistavat taiteilijan suuresta rakkaudesta ympäröivää maailmaa kohtaan, hänen halustaan toistaa totuudenmukaisesti luontoa, välittää jokaisen yksityiskohdan materiaalinen laatu. Muistikirjaan, joka makaa luutun sankarin edessä, on kirjoitettu 1500 -luvulla suosittujen madrigalien avausmuistioita "Tiedät, että rakastan sinua".

Rakkaus tämän työn teemana on myös muita esineitä. Esimerkiksi säröillä oleva luutti oli metafora rakkaudesta, joka epäonnistuu. Luovuuden kynnyksellä Caravaggio antoi nuorille usein naisellisia piirteitä, jotka olivat kuitenkin tyypillisiä 1500 -luvun lopun italialaiselle taiteelle. On mielenkiintoista, että Eremitaasin maalauksen muusikko sekoitettiin usein tytöksi ja sävellystä kutsuttiin "Lute Playeriksi".

"Lady in Blue" Thomas Gainsborough

Yksi taiteilijan parhaista teoksista - "The Lady in Blue" - luotiin Gainsboroughin luovan voimansa kukoistuksessa. Nuoren naisen hahmo avoimessa läpinäkyvästä valkoisesta kankaasta erottuu varovasti tummaa taustaa vasten. Hänen jauhemaiset hiukset on muotoiltu omituiseksi kampaukseksi. Suuret kiharat putoavat kaltevien hartioiden yli. Nuorekkaiden kasvojen raikkautta korostavat puoliksi avoimet huulet ja mantelinmuotoiset tummat silmät. Oikean käden kevyellä liikkeellä hän pitää sinistä silkkihuivia. Harmahtavia, sinertäviä, vaaleanpunaisia ja valkoisia sävyjä täällä ja siellä korostetaan kirkkailla vedoilla ja ne välittävät mallin eleganssia ja kauneutta.

Gainsborough'n kuvallisten tekniikoiden rohkeus hämmästytti hänen aikalaisiaan. Niinpä Reynolds huomasi Gainsborough'n maalauksissa "outoja kohtia ja piirteitä", "jotka näyttävät todennäköisemmin sattuman seuraukselta kuin tietoiselta aikomukselta". Tämä ei-akateeminen perinne on yksi Gainsborough'n suurimmista saavutuksista. "Lady in Blue" tuli Eremitaasiin vuonna 1916 kokoelmasta A. 3. Khitrovo testamentilla.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn: Tuhlaajapojan paluu

Tämä raamatullisen taiteen mestariteos vahvistaa jälleen kerran Rembrandtin aseman yhtenä kaikkien aikojen hienoimmista maalareista ja suurimpana vanhoina mestareina Raamatun kohtausten kuvaamisessa. Maalaus Tuhlaajapojan paluu, jonka taiteilija on valmistanut elämänsä viimeisinä vuosina, kuvaa kohtausta vertauksesta Luukas 15: 11–32. Erinomaisen taidekriitikon Kenneth Clarken mukaan kangas on yksi kaikkien aikojen suurimmista maalauksista. Juonen mukaan isä, kuten patriarkka, laskee kätensä ajeltujen katuvien olkapäille ja pukeutuu kuluneisiin vaatteisiin. Hänen silmänsä ovat melkein kiinni. Anteeksiannosta tulee lähes sakramenttisen sakramentin siunaus.

Tämä kuva on äärimmäisen hengellinen, vapaa kaikista anekdoottisista näkökohdista, jossa kaikki liikkeet ja toimet ovat pysähtyneet. Kohtaus sukeltaa pimeyteen kuin tunneli, josta isän ja hänen vanhimman poikansa kasvot loistavat kalpeasti. Heidän punaiset kaapunsa antavat tälle pimeydelle hehkua. Rembrandt on toistuvasti maalannut tuhlaajapojan teemaan, mutta tässä monumentaalisessa öljyversiossa hän tuli jännittävimpään ja - vanhimman ja nuoremman (tuhlaajapoikan) vastakkainasettelun ansiosta - psykologisesti vaikeimpaan muotoiluun.

"Tanssi" Henri Matisse

"Tanssi" on yksi Henri Matisse'n tunnetuimmista teoksista - ode elämälle, ilolle, fyysiselle hylkäämiselle ja nykytaiteen symboli. Teos on vaikutusvaltaisen venäläisen keräilijän Sergei Shchukinin tilaama vuonna 1909 koristamaan kartanoaan. Yksinkertaisuutensa ja energiansa ansiosta tämä taiteellinen orgia jätti pysyvän jäljen 1900 -luvun taiteeseen. Tanssi on kirjoitettu fauvistisen estetiikan huipulla ja ilmentää perinteisten länsimaisten taiteellisten perinteiden vapautumista. Henri Matisse'n esteettinen valinta tähän maalaukseen aiheutti todellisen skandaalin taidesalongeissa vuonna 1910. Rohkea alastomuus ja karkeat sävyt antoivat kuvalle tuolloin poikkeuksellisen luonteen, joka joidenkin katsojien silmissä vaikutti barbaariselta.

Matisse käytti vain kolmea väriä kuvaamaan tätä tanssia: sininen, vihreä ja punainen. Perinteisten fauvististen väriyhdistelmien mukaisesti nämä kolme sävyä luovat voimakkaan kontrastin. Matissen tavoitteena ei kuitenkaan ollut järkyttää yleisöä. Päinvastoin, hän pyrki yhdistämään ihmiset keskenään ja luonnon kanssa. Kuten taiteilija sanoi: "Unelmani on tasapainoinen, puhdas ja rauhallinen taide, joka voi välttää ongelmia tai pettymyksiä."