Kuinka maailman kuuluisimmat maalaukset luotiin: Mielenkiintoisia tarinoita suurten taiteilijoiden maalauksista

2024 Kirjoittaja: Richard Flannagan | [email protected]. Viimeksi muokattu: 2023-12-16 00:04

Toimittaja ja filosofi Grigory Landau sanoi kerran: "Taide on vuoropuhelu, jossa keskustelukumppani on hiljaa." Maalaus on hienovarainen taide, allegorinen, emotionaalinen, tulkinnanvapaus. Tämä on koko maailma ratkaisemattomista salaisuuksista ja ratkaisemattomista mysteereistä. Yritetään avata salaisuuden verho suurten taiteilijoiden kuuluisimpien maalausten luomishistorian yli.

#1. Pyhä George ja lohikäärme, Paolo Uccello, 1470

Taiteilijalla on itse asiassa kaksi versiota tästä maalauksesta. Tässä versiossa George voittaa lohikäärmeen, jota Kaunis nainen pitää hihnassa. Maalauksella on syvä uskonnollinen merkitys. Legendan mukaan lohikäärme asettui Libyan kaupungin järveen. Pakanallinen keisari käski uhrata hänelle kauniita tyttöjä. Kun kaupungissa ei ollut enää nuoria naisia, keisari lähetti oman tyttärensä lohikäärmeen luo. Rohkea soturi George meni pelastamaan hänet ja voitti lohikäärmeen. Prinsessa symboloi täällä vainottua kristillistä kirkkoa, lohikäärmettä - pakanallisuutta ja Georgea - kristinuskoa. On olemassa versioita, joiden mukaan George, joka myöhemmin tunnustettiin pyhimykseksi, polkee paitsi pakanallisuuden myös paholaisen, "muinaisen käärmeen".

# 2. Jaime La Couleur, Cherie Samba, 2003

"J'aime la couleur" on omakuva taiteilijasta. Näin hän paljastaa työnsä merkityksen:”Väriä on kaikkialla. Uskon, että väri on elämä. Päämme on pyöritettävä spiraalimaisesti ymmärtääksemme, että kaikki ympärillämme oleva on vain värejä. Väri on maailmankaikkeus, maailmankaikkeus on elämää, maalaus on elämää."

# 3. Bath, Jean-Leon Gerome, 1885

Asiantuntijat uskovat, että tämä kuva ja sarja samanlaisia kuvia Jerome -teoksessa symboloivat "valkoista" snobiaa. Tämä näkyy kankaalla kuvattujen lukujen dynamiikasta. Valkoinen nainen on hallitseva aihe, kun taas musta nainen on alistuva.

#4. Maallisten nautintojen puutarha, Hieronymus Bosch, 1490-1510

Hieronymus Bosch on yksi maailman salaperäisimmistä taiteilijoista. Hänen maalaustensa symboliikka on niin hämmentynyt, että on yksinkertaisesti mahdotonta löytää yhtä selitystä niissä kuvattuun valtavaan määrään symboleista. Tämä teos sai nimensä sitä tutkineista taidekriitikoista. Alkuperäinen nimi jäi tuntemattomaksi. Historioitsijat uskovat, että triptykyn vasen paneeli on taivas, keskeinen on nykyaikainen syntinen ihmiselämä ja oikea paneeli kuvaa helvettiä. Mutta kuva herättää paljon enemmän kysymyksiä kuin vastaa.

#5. Sharpie, Caravaggio, 1594

Tämä teos ei ole ollenkaan karikatyyri likaisten uhkapelien paheista. Se on pikemminkin rauhallinen kertomus, josta Caravaggio tiesi hyvin. Loppujen lopuksi taiteilija itse johti elämänsä hyvin kevyesti ja jopa väkivaltaisesti. Juoni käsittää kuvaavan kehittyvän draaman - petoksen ja viattomuuden draaman. Naiivit nuoret otettiin liikkeeseen kokeneiden teroittajien toimesta. Vanhin kurkistaa korttejaan ja antaa merkkejä toiselle huijalle.

# 6. Watson ja hai, John Singleton Copley, 1778

Kuvassa on tapaus tosielämästä. Vuonna 1749 Havannassa Brooke Watson, 14-vuotias hyttipoika, päätti pulahtaa. Hai hyökkäsi hänen kimppuunsa. Laivan kapteeni, jolla poika palveli, yrittää pelastaa hänet tappamalla hain harpuunilla. Kapteeni onnistui vasta kolmannella yrityksellä. Watson menetti jalkansa tässä epätasa -arvoisessa taistelussa. Sitten hän käveli koko elämänsä puisella jalalla. Tämä ei estänyt häntä tulemasta Lontoon pormestariksi. Samaan aikaan hän tapasi taiteilijan ja kertoi hänelle tämän tarinan. Se oli inspiraationa John Copleylle.

# 7. Wassily Kandinskyn sävellys VIII, 1923

Lapsuudesta lähtien Kandinsky oli kiehtonut väri. Taiteilija uskoi, että hänellä oli transsendenttisia ominaisuuksia. Kandinsky kirjoitti sävellyksensä sinfonian säveltäjänä. Jokainen sävellys heijasti taiteilijan näkemystä omalla ajanjaksollaan. Kandinsky käytti teoksissaan geometrisia muotoja, koska hän uskoi niiden mystisiin ominaisuuksiin. Kuvioiden värit heijastivat tunteita.

#kahdeksan. Saturnus syö poikaa, Francisco Goya, 1823

Vanhuuteen Goya tuli kuuroksi ja hänen terveytensä yleensä sekä fyysisesti että psyykkisesti huononi. Juuri tämän vuoksi historioitsijat yhdistävät hänen kirjoittamiseensa 14 -sarjan, joita kutsuttiin "synkkiksi kuviksi". Jonka hän maalasi sisälle talonsa seinille. "Saturnus syö pojan" on yksi niistä. Tämä on tunnettu antiikin kreikkalainen myytti titaanista Kronosista (myöhemmin roomalaiset nimesivät hänet Saturnukseksi). Cronusille kerrottiin, että hänen oma poikansa kaataisi hänet. Ja Saturnus söi kaikki vastasyntyneet lapsensa. Goyassa Saturnusta kuvataan kauheana, puoliksi hulluna vanhana, joka ei syö vauvaa, vaan aikuisen lapsen. Tämän kankaan merkityksestä on monia tulkintoja. Mutta tärkeintä on, että taiteilija ei kirjoittanut sitä yleisölle. Ehkä tällä tavalla Goya yritti karkottaa omia demoniaan.

#yhdeksän. Peura Sharkyssa, George Wesley Bellows, 1909

Taiteilija kuvasi yhteistä kohtausta jokapäiväisestä elämästä New Yorkissa 1900 -luvun alussa. Yksityinen taistelukerho, kuten yleensä sijaitsi köyhillä lähiöillä. Ulkopuolisia, jotka eivät olleet klubin jäseniä, kutsuttiin siellä "peuroiksi". He saivat väliaikaisen jäsenyyden taistellakseen. Palkeet maalasivat kuvan niin, että kun katsot sitä, sinusta tuntuu, että olet taistelun katsojien joukossa.

#kymmenen. A Need in Friend, Cassius Marcellus Coolidge, 1903

"A Friend in Need" on Cassius Marcellus Coolidgen suosituin elokuva Dogs Playing Poker -sarjassa. Tämä sarja on Coolidgen tilaama Brown & Bigelow mainostamaan sikaria. Vaikka kriitikot eivät koskaan pitäneet Coolidgen maalauksia todellisena taiteena, niistä on tullut ikonisia.

#yksitoista. Perunasyöjät, Vincent Van Gogh, 1885

Van Gogh halusi kuvata talonpojat sellaisina kuin he todella ovat. Hän halusi näyttää täysin erilaisen elämäntavan, erilaisen kuin yläluokat. Myöhemmin hän kirjoitti sisarelleen ja totesi, että perunasyöjät olivat hänen menestynein maalauksensa.

#12. Medusan lautta, Theodore Gericault, 1819

Kangas "Raft of Medusa" ("Le Radeau de la Méduse") kuvaa Ranskan laivaston fregatin "Medusa" romahtamisen jälkiseurauksia. Osa ihmisistä mahtui veneisiin, loput 147 ihmistä varten rakennettiin lautta nopeasti. Veneet hinaavat lauttaa. Mutta kapteeni, huomatessaan, että lautta oli liian raskas, käski katkaista köydet. Lähes puolitoista sata ihmistä jätettiin hoitamaan itseään ilman ruokaa ja vettä. 13 päivän matkan aikana lautalla, jossa oli aavemainen pelastustoivo, 147 ihmisestä selvisi hengissä 15. Nälkä ja jano olivat hulluja, ihmiset söivät toisiaan ja joivat verta. Ranska halusi vaientaa tämän häpeällisen tarinan, mutta se oli liian räikeä eikä onnistunut.

#13. Proomukuljetus Volgalla, Ilja Repin, 1873

Tämä teos on Ilya Repinin tunnetuin. Kuvasta on tullut kultti. Taiteilijan tekemä työ oli vakavaa. Repin tapasi kaikki maalauksessa kuvatut proomukuljettajat henkilökohtaisesti. Taiteilija kirjoitti satoja luonnoksia ja vietti viisi vuotta tähän työhön. Sekä historioitsijat että aikalaiset pitävät maalausta suoranaisena tuomiona sorrettujen luokkien kovasta työstä. Repin kuitenkin kiisti aina tämän mielipiteen.

#neljätoista. Susanna ja vanhimmat, Artemisia Gentileschi, 1610

Susanna ja vanhimmat on raamatullinen tarina Vanhasta testamentista. Keisari Nebukadnessarin hallituskauden aikana juutalaiset joutuivat babylonialaisten orjuuteen. Heidän joukossaan oli Susanna aviomiehensä Joachimin kanssa. Naisella oli epätavallinen kauneus ja kaksi vanhinta halusi häntä. He uhkailivat häntä, että jos Susanna ei olisi heille ystävällinen, he kertoisivat ihmisille, että hän oli aviorikos. Nainen kieltäytyi, ja vanhimmat täyttivät heidän uhkauksensa. Hänet tuomittiin kuolemaan juutalaisten lain mukaan. Mutta sitten nuori profeetta Daniel puuttui asiaan. Hän keksi ajatuksen kuulustella miehiä ensin erikseen ja sitten yhdessä. Heidän versiot eivät olleet yhteneviä, panettelu paljastettiin. Susanna vapautettiin ja vanhimmat teloitettiin. On erittäin huomionarvoista, että taiteilija oli vasta 17 -vuotias maalatessaan tämän kuvan. Artemisialle hänestä tuli profeetallinen, sillä myöhemmin hänelle tapahtui samanlainen tarina.

#15. Gross Clinic, Thomas Eakins, 1875

Tämän kuvan juoni perustuu Eakinsin todistamaan operaatioon. Sen suoritti yksi Amerikan parhaista kirurgeista, tohtori Samuel Gross. Operaatio suoritettiin luokkahuoneessa oppilaiden edessä opetusta varten. Lääkäri osoitti, miten infektiota hoidetaan konservatiivisella leikkauksella, eikä koko raajan amputaatiolla (joka oli tuolloin vakio). Kangas kuvaa todellisuutta ilman kaunistusta: sekä Grossin rauhallista ammattitaitoa että vasemmassa alakulmassa olevan naisen kärsimystä. Tutkijat uskovat, että potilaan äiti. Kriitikot ja katsojat arvioivat työn Eakinsin tyrmistykseksi erittäin negatiiviseksi. Ihmiset, jotka miettivät rauhallisesti veristen taistelujen juonia, eivät olleet valmiita pohtimaan lääketieteellisen leikkauksen realismia.

#16. Vaeltaja sumumeren yläpuolella, Caspar David Friedrich, 1818

"Vaeltaja sumumeren yli" ("Der Wanderer über dem Nebelmeer") on kangas, jossa taiteilija pysyi uskollisena romanttiselle tyylilleen. Kuvassa Friedrich kuvaili itseään seisomalla yksin selkänsä katsojaa kohti tummalla jyrkällä kalliolla. "Vaeltaja sumumeren yläpuolella" on metafora. Kyse on itsetutkiskelusta, tuntemattomasta tulevaisuudesta. Friedrich sanoi tästä teoksesta näin: "Taiteilijan on piirrettävä paitsi se, mikä on edessään, myös se, mitä hän näkee itsensä sisällä." # 17. Harvesterit, Jean-Francois Millet, 1857

Des glaneuses -maalauksessa on kuvattu kolme talonpoikaista naista, jotka keräävät pellon korjuun jälkeen jääneet piikkarit. Talonpoikien kova, nöyrä työ herätti taiteilijan myötätuntoa. Nämä tunteet ilmenivät kuvassa. Mutta yhteiskunnassa työ sai negatiivista kritiikkiä ylemmistä luokista. Ranska koki äskettäin vallankumouksen ja aatelisto piti tätä kuvaa epämiellyttävänä muistutuksena siitä, että ranskalainen yhteiskunta perustuu alempien luokkien työhön. Ja koska tuolloin työväenluokka oli suurempi kuin yläluokka, he pelkäsivät, että kuva saattaisi jotenkin saada alaluokan kapinoimaan.

#kahdeksantoista. Huuto, Edvard Munch, 1893

Huuto on yksi maailman maalauksen salaperäisimmistä mestariteoksista. Munch sanoi, että hän meni kerran kävelylle auringonlaskun aikaan. Auringonlaskun valo värjäsi pilvet veripunaisiksi. Ja Munch kuuli yhtäkkiä, tunsi, kuten hän sanoi, "luonnon loputtoman huudon". Toinen selitys voi olla Munchin emotionaalisen tilan tulos, koska hänen sisarensa lähetettiin äskettäin hullulle turvapaikalle. Tämä maalaus on siepattu monta kertaa. Juoni voidaan pitää profeetallisena: 1800 -luvun lopulla Munch kuvasi 1900 -luvun katastrofeja.

#19. Suuri aalto Kanagawan rannalla, Katsushika Hokusai, 1829-1833

Koostumus koostuu kolmesta pääelementistä: myrskyinen meri, kolme venettä ja vuori. Lumipeiteinen vuori on Fuji-vuori, jota japanilaiset pitävät pyhänä. Se on kansallisen identiteetin ja kauneuden symboli. Tällaisia pelejä, joissa on tilaa ja kirkkaita värejä, epätavallista Aasian maalaukselle. Kuva symboloi ihmisen pelkoa lannistumattomasta elementistä ja pakotettua alistumista sille.

#kaksikymmentä. Tähtinen yö, Vincent Van Gogh, 1889

"Tähtinen yö" on mestariteos, joka nähdessään sen vain kerran, et koskaan unohda sitä uudelleen. Taiteilija maalasi sen ollessaan mielisairaiden sairaalassa. Nämä pyörrevirrat, valtavat tähdet … Jotkut uskovat, että Van Gogh kuvasi näkymää ikkunasta. Mutta sairaat eivät saaneet mennä kadulle, he olivat jopa kiellettyjä työskentelemästä osastolla. Vincentin veli pyysi sairaalan johtoa antamaan hänelle huoneen kirjoittaakseen. Tutkijat uskovat, että Van Gogh kuvasi maalauksessaan sellaista ilmiötä kuin turbulenssi - pyörre virtaa vedestä ja ilmasta. Tätä ei voi nähdä, mutta taiteilijan kohonnut käsitys auttoi häntä näkemään, mikä on piilotettu tavallisten kuolevaisten silmiltä. 10 puuttuvaa ja uutta löydettyä mestariteosta suurilta mestareiltaPerustuu materiaaleihin