Kuka Rodin todella loi "ajattelijan" tai "surijan": kuuluisien taideteosten todellinen merkitys

2024 Kirjoittaja: Richard Flannagan | [email protected]. Viimeksi muokattu: 2023-12-16 00:04

Kuka tahansa voi helposti huomata, että surun aihe on erittäin suosittu taiteilijoiden keskuudessa. Ja usein nykyaikaiset ihmiset eivät edes tiedä joidenkin maalausten tai veistosten alkuperähistoriasta ja niiden todellisesta merkityksestä.

"Venetsian muotokuva Stanley, Lady Digby" Van Dyck

Näyttää siltä, että nuori nainen nukkuu rauhallisesti. Kuitenkin, kun flaamilainen taiteilija Anthony van Dyck vuonna 1633 yritti välittää kankaalle Venetsian Stanleyn aristokraattisen kauneuden, Lady Digbyn, hän itse maalasi muotokuvan … kahden päivän ikäisestä ruumiista, joka makasi kuolinvuoteellaan.

Huolestuneena surusta huomatessaan, että hänen vaimonsa oli kuollut yhtäkkiä yöllä, 33 -vuotiaana, Venetsian aviomies Sir Kenelm Digby pyysi kuningas Kaarle I: n hovimaalaria Van Dyckiä maalaamaan kuolleen vaimonsa "kirurgien ja kuolinsyyntutkijoiden edessä". saapui."

Anthony van Dyck kirjoitti Venetsian, Lady Digbyn kuolinvuoteellaan vuonna 1633 - kaksi päivää sen jälkeen, kun nainen kuoli unessa

Van Dijk ryhtyi toimiin, jättäen huomiotta kauheat muutokset, jotka tapahtuvat ihmiskehoon kuoleman jälkeen. Kalpealle, viehättävälle Venetsian kaulalle hän piirsi helmikaulakorun ja arkin reunalle sirotti ruusun terälehtiä. Digby uskoi, että Van Dyckin maalaus, joka on nyt Lontoon Dulwichin taidegalleriassa, oli taiteilijan luomuksen kruunaava saavutus. Hänen mukaansa tämä "ruusu" tuntui "haalistuvalta" jopa ensi silmäyksellä ja sen piti symboloida vaimonsa kuolemaa.

Huolimatta siitä, että melkein neljäsataa vuotta on kulunut, on edelleen huhuja siitä, että Digby, joka ei ollut vain hovimies ja diplomaatti, vaan myös keksijä ja alkemisti, itse aiheutti vaimonsa kuoleman. Jotkut sanovat, että hän antoi Venetsialle juotavaksi kyykäärmeen verta, jolla hän toivoi säilyttävänsä sen kauneuden. Toiset uskovat, että hän tappoi hänet mustasukkaisuudessa - loppujen lopuksi hän väitti kerran sanoneensa Venetsian pahamaineisesta kiusaamisesta, että "viisas ja vahva mies voi tehdä rehellisen naisen jopa bordellityöntekijästä". On mielenkiintoista, että vaikka ruumiinavaus tehtiin, sen tuloksia ei ole säilytetty.

Kuitenkin Digby joutui tuhoisaksi Venetsian kuolemasta. Hän kirjoitti veljelleen, että Van Dyckin kuolemanjälkeinen muotokuva”on ainoa jatkuva kumppani, joka minulla on nyt. Hän seisoo koko päivän tuolin ja pöydän edessä … ja koko yön sängyn vieressä. Kun heikko kuutamo putoaa häneen, minusta näyttää siltä, että näen hänet todella kuolleena."

Toisin sanoen Digbyn kirjeen mukaan pienestä, alle neliömetrin kokoisesta Van Dyckin öljyvärimaalauksesta on tullut lohdutus ja lohdutus surun kärsineelle leskelle. Jos kuvassa oleva ruusu on todellakin elämän ohimenevyyden "tunnus", kuva itse symboloi sitä, mitä voidaan kutsua surun taiteeksi.

Kirkkojen hautausmuistomerkkien lisäksi, jotka asennettiin lähinnä kuolleiden muistolle, länsimaisen surun teema ennen Van Dyckin aikakautta, keskiajalla ja renessanssin aikana löytyi pääsääntöisesti vain uskonnollisista maalaus ja veistokset, jotka on omistettu traagiselle Kristuksen kuoleman tarinalle ….

Michelangelon Pieta Pietarinkirkossa

Michelangelon upea marmoripiirakka Pietarinkirkossa on ainoa veistos, jonka hän on koskaan allekirjoittanut. Hän kuvaa murheellista Neitsyt Mariaa sylissään makaavan kuolleen Kristuksen kanssa. Tämä on ehkä tunnetuin esimerkki, mutta on monia muita. Esimerkiksi voidaan erottaa toisen korkean renessanssin taiteilijan ja Michelangelon ystävän Sebastiano del Piombon maalaus. Kansallisgallerian asiantuntijoiden mukaan maalaus (jonka parissa del Piombo työskenteli Michelangelon kanssa) "Lamentation of the Dead Christ" (n. 1512-1516) on "historian ensimmäinen laajamittainen yömaisema" ja sen kuutamoinen taivas vastaa täydellisesti synkkää tunnelmaa.

Michelangelon Pieta Pietarinkirkossa on kuuluisa versio yhdestä katolisuuden yleisimmistä kuvista: Neitsyt Marian murhe poikansa kuolemasta

Tietysti monet kuuluisat taidehistorian kirjoittajat ovat kuvanneet perinteisen Kristuksen surua koskevan teeman Giottosta ja Mantegnasta Rubensiin ja Rembrandtiin. Nämä ovat vain muutamia tuhansista taiteilijoista, jotka ovat kuvanneet tätä raamatullista kohtausta tavalla tai toisella vuosisatojen ajan. Surun taidosta on tullut niin kaikkialla läsnä oleva, että joskus ihmiset unohtavat katseensa. Rodinin uuden näyttelyn kuraattori British Museumissa julkaisi äskettäin artikkelin, jonka mukaan kuuluisa ranskalainen veistos The Thinker olisi itse asiassa nimeltään The Mourner. "Katso tarkasti kättä ja leua", sanoi muinaisen kreikkalaisen taiteen auktoriteetti Ian Jenkins. - Jos tämä henkilö ajatteli jotain, hän olisi peittänyt leukaansa kädellään huomaavaisuuden eleenä. Mutta tässä veistoksessa käsi tukee leukaa. Ja antiikin Kreikassa se oli surun ele."

Arnold Böcklinin "Isle of the Dead"

Arnold Böcklinin öljymaalaus puulle "Isle of the Dead", 1880. Sen juoni perustuu antiikin kreikkalaiseen mytologiaan. Maalaus inspiroi Jacques Tourneurin samannimistä kauhuelokuvaa

Jos syötät sanan "suru" minkä tahansa kansainvälisen museon online -hakukoneeseen, se palauttaa monia tuloksia. Esimerkiksi Isossa -Britanniassa tämän avainsanan haku Tate Galleryn verkkosivustolla palautti 143 taideteosta, jotka koskivat surua ja kärsimystä eri aikakausilta.

Esimerkiksi 1700 -luvulla taiteilijat alkoivat nähdä surua ja surua Shakespearen draaman prisman kautta. Suosikki aihe oli kuningas Learin tyttären Cordelian kuolema. 1800-luvulla John Everett Millaisin hämmästyttävän yksityiskohtainen maalaus Ophelia (1851-52), jolle malli Elizabeth Siddal poseerasi useita tunteja päivittäin kylpyammeessa neljän kuukauden ajan, on kuuluisa ja erittäin runollinen surun visuaalinen ilmentymä. Se kuvaa Shakespearen Hamletin tanskalaista aatelista, joka tuli hulluksi surusta murhatun isänsä vuoksi ja hukkui itseensä virtaan.

Rodinin ajattelija

Ian Jenkins British Museumista uskoo, että Rodinin ajattelijaa pitäisi kutsua surijaksi, koska hahmo lepäsi leukaansa puristetussa nyrkissä - selvä merkki siitä, että henkilö on vetäytynyt ja upotettu omaan suruunsa.

Suru oli erittäin tärkeä aihe taiteilijoille viktoriaanisen aikakauden aikana, jolloin monimutkainen "surukulttuuri" oli suosittu. Kirjassaan Kuoleman taide (1991) taidehistorioitsija Nigel Llewellyn toteaa, että "vaikuttava kuoleman visuaalinen kulttuuri" oli 1800 -luvun tunnusmerkki.

Picasso "Itkevä nainen"

1900 -luvulla taiteilijat jatkoivat viktoriaanisten esi -isiensä perinnettä ilmaista surua teoksissaan. Ehkä paras esimerkki on Picasson itkevä nainen (1937), joka liittyy hänen eeppiseen maalaukseensa Guernica, joka on maalattu Espanjan sisällissodan aikana vastauksena saksalaisten lentokoneiden pommitukseen Baskikaupungissa. Monet pitävät Guernicaa 1900 -luvun kollektiivisen surun perimmäisenä ilmentymänä. Tietenkin on monia esimerkkejä muista 1900 -luvun maalauksista, joiden teema liittyy suruun. Voit esimerkiksi muistaa pienen Lucian Freudin maalauksen, jonka hän maalasi vuonna 1973 - hänen äitinsä muotokuva, joka on surullinen miehensä kuolemasta.

"Triptykki", Francis Bacon

Francis Bacon maalasi Triptykyn vasemmassa paneelissa (elokuu 1972) rakastajansa George Dyerin, joka teki itsemurhan

Francis Baconin Triptykki, joka on myös esillä tänään Tatessa, on onnistunut koskettamaan sekä henkilökohtaista että julkista surua. Yksi Baconin niin sanotuista mustista triptyykkeistä on maalattu rakastajansa George Dyerin itsemurhan jälkeen, jonka kuva näkyy vasemmassa paneelissa. Siten triptyykki on unohtumaton ja hyvin henkilökohtainen todistus maalarin kärsimyksestä (joka on muuten kuvattu oikeassa paneelissa).

Luonnollisesti kaksi 1900 -luvun maailmansotaa ei voinut vaikuttaa taiteeseen. Taidekriitikot väittävät, että sodalla oli syvällinen vaikutus siihen, miten taiteilijat kuvailivat surua verrattuna 1800 -luvulle. Toisin kuin viktoriaaninen suru, jossa yksittäiset perheet kokivat yksilöllistä surua, lähes jokainen perhe Euroopassa kärsi yhtäkkiä.

Sodan muistomerkit

Yksi seuraus tästä oli hallituksen virallinen pyrkimys "luoda sopiva visuaalinen kulttuuri surua varten". Klassiset, vertauskuvalliset hautajaishahmot, joita viktoriaaniset rakastivat, putosivat muodista. Niiden sijaan sotamuistomerkit korostivat yhteistä kansallista uhrausta pikemminkin kuin yksilöiden menettämistä.

Edwin Lutyensin suunnittelema Cenotaph War Memorial lähellä Whitehallia Lontoossa on arkkityyppinen esimerkki tästä uudesta lähestymistavasta: ihmishahmojen sijasta on tyhjä arkku, joka voidaan yhdistää mihin tahansa sotilaaseen. Suruavat perheet voivat käyttää sitä yleisenä symbolina.

Taryn Simon teki installaation "Occupation of Loss", johon osallistui 21 "ammattisurvaa" eri kulttuureista

Surun monipuolisuus on edelleen teema, jota nykytaiteilijat käsittelevät. Aiemmin tänä vuonna amerikkalainen valokuvaaja Taryn Simon sai ylistäviä arvosteluja live -installaatiostaan Occupation of Loss, joka järjestettiin Pohjois -Lontoon maanalaisessa salissa. Vuonna 2016 New Yorkissa ensi -iltansa saaneeseen teokseen Simon kutsui 21 ammattisurvaajaa ympäri maailmaa, mukaan lukien Albania, Azerbaidžan, Ecuador, Ghana ja Venezuela. Yleisö sai kuunnella jokaista näistä naisista.